Campo expandido*

Para todos los trabajos se recomienda el uso de la siguiente herramienta (publicación) editada por la UMH y coordinada por la Profesora Teresa Marín:

PORTAFOLIO DIGITAL PARA EL GRADO EN BELLAS ARTES

 

0 [ prólogo extraño ][ la longitud de esta página pretende ser la necesaria, es decir, quizá sea larga, muy larga… es lo necesario para recorrer fluidamente todos los acontecimientos que en ella se «relatan» y «reproducen». Esta página es una acción estética de producción de sentido ]

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Una Historia Parcial,  Lucy Lippard, 
Seis Años:  La Desmaterialización del Objeto Artístico de 1966 a 1972 .
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1. [a modo de introducción]

Está a disposición en mi blog personal el ensayo integro [aquí] del cual esta larga cita es parte. Esta parte del ensayo esta citada como referencia enla UAB [ver aquí]

Intermedia es un concepto que fue empleado por primera vez a mediados de los años ’60 por el artista Dick Higgins para describirla inefable y muchas veces confusa actividad interdisciplinar asociada a los géneros prevalentes de esos años. Dick Higgins fue compositor, poeta, impresor, y un artista Fluxus germinal. Como muchos otros artistas Fluxus estudió composición con John Cage.

Higgins indica que la relación entre áreas y medios-soportes de esos años era intensa y el cruce entre técnicas, disciplinas y medios de expresión era cada vez mayor y más fluido. La poesía se cruzaba con el dibujo, el teatro con la pintura. Esta intensa colaboración dio lugar a géneros artísticos que más tarde vendrían a ser llamados poesía visual o performance, entre otros.

Higgins puso especial énfasis en esta situación para remarcar que esta era una de las características más importantes del nuevo arte que se estaba realizando en ese momento. Los límites se estaban traspasando y nuevas formas de creación artística afloraban mostrando una riqueza creativa renovada en tensión y concordancia con la sociedad de la época.

Higgins gustaba de recordar que el primer autor que empleo el término intermedia fue el poeta inglés Samuel Taylor Coleridge en su poema Kubla Hhan del año 1816. El título completo del poema es «Kubla Kahn, o la visión en un sueño. Un fragmento». Samuel Taylor Coleridge no dedicaba su tiempo exclusivamente a la poesía, era, además de poeta, crítico y filosofo. Coleridge junto con su amigo William Wordsworth fundó el movimiento romántico ingles. HIGGINS, D., Statement on Intermedia. Ed. Electrónica.

Sin embargo, y considerando fundacional el empleo de intermedia por Higgins, mirando retrospectivamente cierta historia del arte del siglo pasado, observamos como muchos artistas de las vanguardias históricas mostraban un interés muy especial por todas las innovaciones técnica de su época.

El cine y la fotografía excitaban la curiosidad y la creatividad de los artistas de principio de siglo. Marcel Duchamp, entre otros, es pieza clave para la compresión del artista como partícipe de la actitud y el interés intermedia. Son muchos los trabajos de Marcel Duchamp que así lo muestran.

Aún podríamos ir más allá de Coleridge y encontrarcomportamientos o actitudes intermedia en artistas renacentistas obarrocos. El renacimiento es fácilmente identificable con la actitudintermedia. Leonardo Da Vinci o Miguel Ángel, este en menor grado,tuvieron un marcado talante intermedia en su trabajo artístico.

Siguiendo la pauta marcada por Higgins en su declaración de principios del año 1966 el arte intermedia, o mejor, la actitud intermedia, no reside tanto en la fascinación por los medios como en la necesidad de mezclar, hibridar, conjuntar, o sencillamente mostrar o poner en común, una serie de trabajos basados en disciplinas o medios de representación diferentes.

En cierto modo otro tipo de categorías o clasificaciones taxonómicas del arte, tales como arte multimedia o arte new media, son denominaciones que responden a un foco o interés específico por el medio que soporta la obra o las intenciones «comunicativas» o expresivas del artista. No responde con precisión ni al estilo ni al género artístico, y mucho menos al sentido de la obra y su mayor o menor engarce, coordinación y sincronía con el momento en que se produce y participa del discurso o discursos.

Intermedia es también multimedia, pero esto sólo es una característica instrumental que nos indica un momento tecnológico y determinados usos de esa tecnología.

La sociedad post-industrial, es decir aquella en la cual, entre otras características se ha dado un rápido incremento del sector servicios, en comparación con la fabricación, se ha generado un considerable aumento de las tecnologías de la información, en cuyo seno el conocimiento y la creatividad son nuevas materias primas de la economía. Es el entorno en el cual el arte se genera y desarrolla a partir de la segunda guerra mundial. Aún así, no es hasta el fin de la guerra fría y el desarrollo de las tecnologías computacionales de consumo que el arte entra en una fase de consolidación de su carácter intermedia.

Si en las generaciones de artistas intermedia la convergencia de conceptos artísticos y medios creativos clásicos o tradicionales con algunos de los nuevos medios tecnológicos de la época como fueron el cine, la fotografía o ciertos modos de la música popular, era la característica más clara y reseñable al margen de cuestiones estéticas o de concepto y visualidad de las obras, en los entornos de creación y producción de la sociedad post-industrial, es la convergencia de todo lo indicado anteriormente en referencia al arte intermedia más las tecnologías de la información y los medios de comunicación.

Esta nueva situación es lo que considero podría ser denominada como Transmedia.

Es esencial para entender esta nueva situación la comprensión dela transformación de los medios de producción y comunicación, y la vinculación indisoluble entre sociedad post-industrial y cultura digital.

«Y sin duda nuestro tiempo prefiere la imagen a la cosa, la copia al original, la representación a la realidad, la apariencia al ser lo que es ‘sagrado’ para él no es sino la ilusión, pero lo que es profano es la verdad. Mejor aún: lo sagrado aumenta a sus ojos a medida que disminuye la verdad y crece la ilusión, hasta el punto de que el colmo de la ilusión es también para él el colmo de lo sagrado.»FEUERBACH, prefacio a la segunda edición de La esencia del Cristianismo.

Esta cita de Feuerbach sirve a Guy Debord para dar introducción a su Sociedad del Espectáculo. Reflexión y crítica lúcida y angular del modelo capitalista. Anticipó la llegada de los teorías postindustrialistas enunciadas por los economistas teóricos DanielBell o Colin Clark.

Guy Debord, filósofo, escritor y cineasta francés fue miembro de la internacional letrista, del grupo radical Socialismo o Barbarie y fundador y principal teórico de la internacional situacionista.

En términos generales, las teorías de Debord intentaron explicar el debilitamiento de las capacidades espirituales en el curso de la modernización de las esferas tanto privadas como públicas de la vida cotidiana por las fuerzas del capitalismo de mercado durante la modernización de Europa tras la Segunda Guerra Mundial.

Los sentimientos de alienación, postuló Debord, podían ser explicados por las fuerzas invasivas del ‘espectáculo’ – la naturalezas educativa del capitalismo consumista. Los análisis de Debord aplicaron la crítica de comercialización de Karl Marx y Georg Lukács a lo que superficialmente se llama ‘los media’ y proclamó que la alienación era más que una descripción emotiva, era el resultado provocado históricamente por el capitalismo.

Observando este marco social y teórico, y siguiendo los momentos del arte durante los más de últimos 50 años del siglo pasado y el presente es plausible enunciar que la relevancia de los medios de comunicación nunca fue mayor en la historia reciente de la humanidad, y que esto afecta a la producción artística en su raíz misma, es una afección de carácter ontológico, esencial, referida a su propio ser y estar.

Esta nueva convergencia, la del arte intermedia, las actitudes y expectativas de los pioneros de los años 60, con los medios de comunicación de masas en las sociedades digitales post-industriales da lugar a lo que considero llamar TRANSMEDIA.

El medio por excelencia de esta nueva generación de artistas es la red, el World Wide Web. Red de redes que como hemos introducido en este proyecto describe, analiza y teoriza Hakim Bey. El lugar donde la producción, digital, y por tanto lo reproducible sin fin y sin perdida, acontece. Un medio que transcodifica los medios de comunicación de masas previos y los integra en un todo donde TV, Cine, Radio, fotografía, prensa, y cualesquiera medios de representación clásico (podemos pintar con Photoshop -sus filtros y herramientas cada vez son más sofisticados- o generar dibujos o proyectos colosales con Autocad) tiene su lugar y su posibilidad. A todo esto hemos de añadir la potencia como distribuidor y publicitador de los contenidos, la obra, que tiene el nuevo medio.

El acceso a los medios de comunicación de masas siempre fue un espacio «intermediado» y lleno de filtros dispuestos a limpiar el «ruido» y todo aquello que resultase inconveniente e inadecuado. Límites y más límites en el acceso a la información; límites para ofrecer nuestra información; límites para establecer redes de trabajo y cooperación que excedieran de los circuitos de control. Hemos sido capaces de subsumir el pasado y transcodificarlo. Todo esto no supone la desaparición del arte y sus diferentes «disciplinas», aquellas que podríamos llamar de toda la vida o tradicionales, lo que se pretende con el análisis de la nueva situación es mostrar los cambios acaecidos y como estos cambios y transformaciones dotan al artista, artista en un sentido amplio, de herramientas conceptuales y tecnológicas para afrontar su «vida creativa» / «vida productiva» a lo largo de este nuevo milenio.

El arte esta avocado a su transmedialización. La transmedialización transmaterializa la obra de arte.

•Gómez, José Maldonado, Arte transmedia. Algunos aspectos sobre la difusión y transmaterialización de la obra de arte en el sigle XX, (e-limbo, un caso práctico entre otros), Valencia 2007. Capítulo 1.5. Transmedia. Arte, Medios de comunicación y cultura digital, pag. 38 – 45.

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2. aproximaciones +/- 1961. [tiempo de cambio]

El-acto-creativo-por-Marcel-Duchamp [es importante leer este texto _se comentará en clase]

243888_acto_creativo_1 [esta es una versión anotada del Acto creativo… leedla también]

Presentación #02 [INTERMEDIA / segunda parte… quizás -una larga historia]

Esta presentación será posterior a «X» que es el show con la que empieza el ciclo teórico.

https://docs.google.com/presentation/d/1IC6bq9Ori38gmAiGHrrbQRUCZJpNBUOU-lKIRxN6Epw/edit?usp=sharing

… y esta es «X» previa a «INTERMEDIA»…

X_INTER [Pdf]

 

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01.Una Historia Parcial,  Lucy Lippard,
Seis Años:  La Desmaterialización del Objeto Artístico de 1966 a 1972 .
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02. Anti-forma, Robert Morris, Artforum, abril 1968.
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03. El Arte Después de La Filosofía,
Joseph Kosuth, Studio International, octubre 1969.
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04. Párrafos sobre Arte Conceptual,
Sol Lewitt, Artforum, junio 1967.
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05. Oraciones sobre Arte Conceptual, 
Sol Lewitt, 0-9 New York, 1969.
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06. Notas del Arte,  Lawrence Weiner,
Art Journal, verano 1982.
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07. Simposio en el Bradford Junior College, Carl André, Robert Barry
y Lawrence Weiner. Moderado por Seth Siegelaub, febrero 1968.
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08. Simposio en el Windham College, Carl André, Robert Barry y Lawrence Weiner. Moderado por Dan Graham,
abril 1968.
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09. Arte sin Espacio, Robert Barry, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Lawrence Weiner. Moderado por Seth Siegelaub, noviembre 1969. (extracto)
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3. Arte de Concepto (una deuda_un error)*

* a saber por los que fueron erratados ¿¡?

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HENRY FLYNT

ENSAYO:

ARTE DE CONCEPTO

[Tal y como se publicó en “Una Antología” (1963). Posibles errores y puntuación han sido corregidos]

«Arte conceptual» es ante todo un arte en el cual el(los) material(es) son «conceptos», como por ejemplo el material de la música es sonido. En tanto que los «conceptos» están estrechamente ligados con el lenguaje, el arte conceptual es un tipo de arte en el cual el material es el lenguaje. Es decir, a diferencia de una obra musical en la cual la música propiamente dicha (en oposición a la notación, análisis, etc…) es sólo el sonido, el arte de concepto implica el lenguaje.

A través de la filosofía del lenguaje comprendemos que un «concepto» puede también ser pensado como la intensión de un nombre; esta es la relación esencial entre concepto y lenguaje. La noción de concepto es un vestigio de la noción de forma platónica (aquello que, por ejemplo, tienen todas las tablas en común: su “tablicidad o tablidad»), donde la idea es reemplazada por la noción de un nombre objetiva y metafísicamente relacionado con su intensión (tensión interna) (así, por tanto, todas las tablas tendrán en común su relación objetiva con  lo(a) tabla). Consideremos pues que la afirmación de que no puede haber una relación objetiva entre un nombre y su intensión es erróneo, y (la palabra) ‘concepto’, en tanto su uso común actual, puede ser desacreditada (ver mi libro de Filosofía). Sí, en cualquier caso, esto es suficiente para que haya una relación subjetiva entre un nombre y su intensión, es decir, la decisión sin vacilaciones en cuanto a la forma en que se quiera utilizar el nombre; las decisiones sin vacilaciones para afirmar los nombres de algunas cosas pero no otras, entonces `concepto’ es el lenguaje válido, y el arte de concepto tiene una base filosófica válida.

Qué es lo artístico, estético, de una obra que es un cuerpo conceptual -estructura-?

La mejor manera de responder a esta pregunta es tratando de explicar la procedencia del concepto de Arte. Trataré de desarrollarlo en un intento por enderezar ciertas actividades tradicionales generalmente consideradas como estéticas.

La primera de ellas es el “Arte Estructural”, la música, las artes visuales, etc… en las cuales lo importante es “la estructura». Mi posición definitiva sobre el Arte Estructural se puede encontrar en «Estética General”. Aquí me limitaré a resumir tal posicionamiento.

Gran parte del Arte Estructural es vestigio de épocas en las que, por ejemplo, la música era considerada conocimiento, una ciencia que tenía cosas importantes que decir en astronomía o en otras disciplinas. Los artistas contemporáneos involucrados con el Arte Estructural, por el contrario, tienden a reclamar un tipo de valor cognitivo similar al que los matemáticos contemporáneos consideran convencionales para las matemáticas. Ejemplos modernos del Arte Estructural son la fuga y la música serial total. Estos ejemplos ilustran la importante división del Arte Estructural en tanto la estructura de los mismos. En el caso de la fuga, uno es consciente de su estructura en la propia escucha; uno impone «relaciones», una categorización (con la esperanza de coincidir con las relaciones del compositor) sobre el sonido mientras se realiza la escucha, es decir, se tiene una «(asociada a) una experiencia artística estructurada -de la estructura-”

En el caso de la Música Serial Total, la estructura es tal que esto no es realizable; el oyente sólo puede leer un «análisis» de la música -la definición de las relaciones. Hay dos cuestiones equivocadas con el Arte Estructural. En primer lugar sus pretensiones cognitivas están completamente equivocadas. En segundo lugar, al tratar de ser música, o lo que sea (que no tiene nada que ver con el conocimiento), y conocimiento representado por la estructura, el Arte Estructural falla tanto en uno como en otro campo, es completamente aburrido, en tanto que música, y no explora el potencial y las posibilidades estéticas que esta pudiera tener cuando es liberada de tener que ser música o lo que sea.

El primer paso para enderezar por ejemplo la estructura de la música es dejar de llamarla «música» y empezar a decir que el sonido sólo se utiliza para transportar la estructura y que la cuestión real es la estructura -y entonces veremos cuan limitada y empobrecedora es la estructura. Por cierto, todos aquellos que dicen que las obras de Musica Estructural tienen, ocasionalmente, valor musical simplemente no saben que es lo que la buena música -real-puede obtener (posee) (La Danza Goli de los Baoule*; “Cans on Windows» de LaMonte Young**; el éxito musical contemporáneo de “Sweets for my sweets” de los Drifters).

Cuando se hace el cambio, entonces, y en tanto que que las estructuras son conceptos, lo que obtenemos es Arte de Concepto. Por cierto, hay otro tipo algo menos importante del arte que cuando es “enderezado” se transforma en Arte de Concepto: el arte que implica jugar con los conceptos técnicos tales como, por ejemplo, en música, «la puntuación», «intérprete versus audiencia”, “participar en la obra -involucrar”. La segunda parte de la crítica hacia el Arte Estructural se refiere a los cambios necesarios en este arte.

El segundo antecedente principal del Arte de Concepto es la Matemática.

Este es el resultado de mi revolución en las matemáticas, que está recogido en el apéndice; aquí sólo haré un breve resumen.

La revolución se produjo en primer lugar porque por razones de gusto quería des-enfatizar la noción -definición- de descubrimiento en Matemáticas, es decir, las Matemáticas en tanto que descubrimiento de teoremas y demostraciones. Yo no era bueno en tal campo y me resultaba muy aburrido. La primera manera de restar importancia a la noción de descubrimiento llegó en el verano de 1960; dado que el valor de la matemática pura es, hoy por hoy,  considerado más estético que cognitivo ¿por qué no tratar de construir teoremas estéticos, sin considerar si estos son verdaderos o no? La segunda manera, que llegó casi al mismo tiempo, era considerar, como filósofo, que la proclamación convencional de teoremas y demostraciones que se descubren es equivocada, por la misma razón que ya he dado para que ‘concepto’ puede ser desacreditado. La tercera vía, que llegó en el otoño-invierno de 1960, fue trabajar en las regiones inexploradas del formalismo matemático. Las matemáticas resultantes todavía tenían declaraciones, teoremas, pruebas, pero estos no fueron descubiertos en la forma en que tradicionalmente lo habían sido. Ahora la exploración de posibilidades más amplias de las matemáticas revolucionadas por mí tiende a conducir más allá de lo que tiene sentido llamar «matemáticas»; la categoría de «matemáticas», un vestigio del platonismo, es un «no natural» (a_natural), un malo (negativo). Mi trabajo en matemáticas lleva a la nueva categoría de “Arte Conceptual», desde la cual corrijo las matemáticas tradicionales (matemáticas como descubrimiento) es una atípica, pequeña pero intensamente, parte desarrollada.

Ahora puedo volver a la pregunta de por qué el Arte de Concepto es «arte». ¿Por qué no es absolutamente nuevo, o al menos una  actividad no-artística o no estética? La respuesta es que los antecedentes del Arte de Concepto son considerados comúnmente como actividades estéticas o artísticas; en un nivel más profundo, conceptos interesantes, conceptos “apreciables” en sí mismos, especialmente en el campo de La Matemática, son comúnmente denominados como “poseedores de belleza».  Al llamar a mi actividad «arte», por lo tanto, simplemente estoy reconociendo este uso común y el origen de la actividad en el Arte Estructural y en las matemáticas.

Sin embargo, es confuso considerar a cosas tan irrelevantes como el disfrute emocional de la música (real), y el goce intelectual de los conceptos, como mismo tipo de disfrute (del Arte Estructural). En tanto que el concepto de arte incluye casi todo lo que alguna vez se considero como «música», por lo menos aquello que no es música para las emociones, tal vez sería mejor restringir el término “arte” a aquel que se aplica al arte para las emociones, y así, reconocer mi actividad como independiente, como una nueva actividad, irrelevante para el arte (y el conocimiento).

Copyright de Henry A. Flynt Jr., 1961

Traducción José Maldonado, 2015

Notas editoriales en el texto

a.s.f. abreviatura de «, etc.»

La impresión de 1963 puede haber tenido la palabra ‘intesion «que era un error ortográfico de» intención «.

Filosofía adecuada.

Publicado en Proyecto para una civilización más elevada (Milán, 1975).

«La estética general»

Un manuscrito que Flynt trabajó en a principios de 1961. Flynt no conservó el manuscrito como tal. Parte del material fue transferido a los manuscritos posteriores en la serie «estética», como de cultura a Veramusement. La sección que es pertinente aquí es «Estructura Arte y Matemáticas Puras.» Eso sobrevive y se publicó en Henry Flynt: Fragmentos y reconstrucciones de una Destruido Oeuvre (Nueva York, backworks, 1982).

El título que abarca es de 2 Sounds (1960).

«Mi revolución en las matemáticas»

Cuando Flynt presentó «Art Concept» para su publicación, no incluyó este apéndice. El argumento de esta revolución fue trasladado al Capítulo 5 de las 1963-1964 manuscritos anti-arte (sobrevive en ológrafo, nunca se publicó), y en «1966 Estudios Matemáticos», etc., en el Anteproyecto para una civilización superior.

Aviso Académico de estas reclamaciones aparece en Graham Priest, «Percibir Contradicciones» Australasian Journal of Philosophy, diciembre de 1999.

*  http://www.arteetnicoafricano.com/etniasafricanas/etnia-baule.aspx

** http://www.scaruffi.com/avant/young.html

*** https://www.youtube.com/watch?v=VIda157wF6A

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Anexiones #1

Documentos sobre Henri Flynt que merece la pena ver o escuchar…

a/ https://www.youtube.com/watch?v=Risflr61D-4

b/ https://www.youtube.com/watch?v=LstLpd_iVWA

c/ https://www.youtube.com/watch?v=zvnFUJnp36k

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4. The Weather Underground.

https://es.wikipedia.org/wiki/Weatherman

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5. Intermedia [versión Golden Palomino _ gallina raza menorca]

Breve introducción a ciertos aspectos de la producción intermedia… esta sesión es preliminar al visionado del documental sobre «The Weatherman Underground»

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6. Este documento (que es histórico) es muy IMPORTANTE (___________traza una línea recta y síguela>

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aquí en enlace para su descarga:

https://drive.google.com/file/d/0B72hzljkh65eSENKem9Hc2F3djQ/view?usp=sharing

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7. Algo huele mal… ¿¡? o ni tan siquiera eso… leer para comprender

HONG KONG-ART-SCULPTURES

El arte abyecto

Marga van Mechelen

 

La fascinación por heces, esperma y menstruo constituyen uno de los fenómenos más notables del arte reciente. Desde que el Whitney Museum for American Art organizó una exposición titulada «Arte abyecto: repulsión y deseo en el arte americano», lo abominable se volvió un rasgo central en la plástica contemporánea. La exposición, sin embargo, no se limitó a mostrar piezas actuales.

También otras, legado de generaciones más antiguas: el concepto de lo abyecto como valor estético es anterior a esta orientación de los 90.

No obstante, es la primera vez que una tendencia artística impone, como modo de significación, reacciones físicas involuntarias en el espectador: escalofríos, náuseas, piel de gallina.

Una sinopsis del arte abyecto

En un sentido general, el concepto abarca obras que usan fluidos corporales o aluden a ellos, como la Fuente de Marcel Duchamp (1917) , un urinario ubicado al revés, Merda d’ artista (1961) de Piero Manzoni, una lata llena de excremento del autor, o las Pinturas oxidadas de Andy Warhol, hechas con orina y pigmentos metálicos. Muchos ejemplos de arte abyecto pueden encontrarse en las performances de las décadas de los 60 y 70, como las representaciones rituales realizadas por los Aktionists vieneses, donde se utilizaron cadáveres de corderos. O Seedbed (1972) de Vito Acconci, una performance que se presentó en la Sonnabend Gallery, durante la cual el expositor yacía bajo una rampa especialmente construida, hablando a los visitantes mientras se masturbaba.

A pesar de sus diferentes lenguajes, estos artistas desafían al público mediante lo feo y lo horrendo. Así, el término «arte abyecto» se puede aplicar a aquellas obras que muestran lo que llamaré «el lado trasero» del arte, especialmente, del arte modernista. Hay artistas que aun venden esperma, sangre, excremento, orina y podredumbre a precios elevados.

Los ejemplos de arte abyecto durante los 90 son incontables, de modo que es posible hablar de una tendencia. Las mujeres en particular lo cultivan intensamente. Entre ellas, algunas como Cindy Sherman y Kiki Smith, tienen fama internacional. Las escenas de desastre de Sherman, en las cuales se muestra muerte, degradación y excremento, tanto como sus Pinturas sexuales, producidas desde 1991, constituyen ejemplos de tal estética. Smith realizó una obra llamada Recipientes con sangre y silicona (1986), que se refiere a la cirugía plástica, mientras que en otro de sus trabajos con cuencos, usa fluidos corporales como signos de emociones: las lágrimas son metonimia del llanto, el semen simboliza la lujuria y el vómito connota el mal.

En contraste con las obras, a menudo deprimentes, de Kiki Smith, encontramos las afirmaciones llenas de humor hechas por la artista británica Helen Chadwick quien, para su instalación Flores de orina (1991-1992), pidió a varios hombres que orinaran en la nieve, haciendo esculturas con los huecos producidos por los chorros. Gilbert y George también juegan con temas abyectos en trabajos como Merdoso y desnudo mundo humano(1994), en tanto que el artista estadounidense Paul McCarthy, quien inició sus performances al promediar los 70, ridiculiza a los Aktionists Vieneses, al usar salsa ketchup en vez de sangre. El Autoretrato de Robert Mapplethorpe (1978) muestra sus nalgas desnudas. Del ano cuelga un látigo. Las fotos de Andrés Serrano llamadas Eyaculación en trayectoria (1989) y Semen helado con sangre (1990) aluden a la crisis provocada por el SIDA. Un trabajo de Serrano, realizado en 1987 y ambiguamente titulado Piss Christ, causó el mayor escándalo de las artes plásticas en los Estados Unidos de la pasada década. [leer +++ ¡muy recomendable!]

Miércoles, 15 de noviembre de 2017
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